CINEMA ZOOM XX (XIII MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE DE SANTO DOMINGO)

XIII MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE DE SANTO DOMINGO, SUMARIO DE OTRA MUESTRA INOLVIDABLE

POR MA GARCIA ROMERO

Recuerdo que el jueves 15 de abril del año 2010, salí como de costumbre a las 16:00 horas del trabajo y me  dispuse a ir a mi sala de cine predilecta a las 18:00 horas  a ver uno de de los estrenos de la semana. Aquella película era Green Zone del director Paul Green Grass, al finalizar la exhibición me encontré en la puerta de salida con Arturo Rodríguez Fernández, una de las figuras cimeras de la crítica cinematográfica en el país y el extranjero, uno de los fundadores junto a Carlos Francisco Elías (de manera injusta casi no se menciona) de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo, le saludé con un ademán de manos, él con un movimiento de la cabeza como acostumbraba hacerlo. Esa fue la última vez que lo vi con vida porque esa noche según los informes de prensa, ese extraordinario intelectual con virtudes y defectos como cualquier ser humano, partió de este mundo dejando como legado indiscutible un evento como La Muestra que es ya prácticamente adolescente y ha cosechado un océano de emociones y enseñanzas en los cinéfilos que viven en este país.

A continuación un sumario de mis impresiones críticas de las películas que  pude ver en esta muestra, esperando que se animen  a asistir el próximo año,  y traten de ver estos filmes interesantes e inquietantes. En el próximo artículo comentaré los PREMIOS CIGUAPA y otros filmes.

CHICOGRANDE

Observar en la pantalla grande la historia de uno de los personajes históricos mexicanos más influyentes en la historia de esa nación-El General Pancho Villa- contada por ellos mismos ha sido una experiencia alentadora, ¿que mas puedo decir? Esta historia está bien contada bien actuada con una impresionante puesta en escena para evidenciar la tragedia de México en la época en que los gringos junto a mexicanos intentaban capturar a Pancho Villa, la presencia del estupendo actor Damián Alcázar, al que ya hace algunos años viéramos en La Ley de Herodes le da una dimensión a su personaje que indudablemente cautiva a los espectadores. Una evidencia del resurgimiento del cine mexicano, ese cine maravilloso y con estupendos guiones y magnifica dirección que se abre paso en medio de todas las pendejadas de cine para consumo masivo que llega desde aquella nación.

LAS BUENAS HIERBAS

Veamos la sinopsis  de esta película para posteriormente hacer algunos comentarios: “Dala vive con su pequeño hijo Cosmo, separada del marido, trabaja en una estación de radio alternativa y recibe ayuda económica de su padre. Su vida cambia cuando tiene que confrontar la enfermedad de Alzheimer que padece Lala, su madre, una científica etnobotánica.” El ver como un cerebro privilegiado como el de la madre de Dala va deteriorándose y consumiendo la vida de esta mujer, que no es cualquier mujer porque es una científica es un suceso conmovedor para cualquier espectador, María Novaro la directora de esta película construye un relato que nos termina induciendo a amar mas el mundo de las plantas  pero también nos señala que como seres humanos podemos ir de lo sublime a lo ridículo por causa de cualquier quebranto. La fotografía  privilegia las zonas verdes en el encuadre, es sencillamente impresionante. Debo de admitir que percibí problemas en la intensidad dramática del relato, porque llega un momento en que  descansa tanto la historia en la evolución de la enfermedad, en ese deterioro vertiginoso de la salud de la madre que uno quisiera que terminara la película para que descanse la señora. Con un guion innegablemente interesante y conmovedor este reencuentro con la filmográfica de la destacada directora mexicana MARIA NOVARO es sumamente agradable.

LA FLOR DEL DESIERTO

Este filme viene a la XIII muestra precedido de haber ganado el premio de La Mejor Película Europea. A continuación la sinopsis del mismo para abordar algunos elementos que deseo destacar: “Cuando a la edad de 13 años, Waris se entera de que su padre tiene intención de casarla como una cuarta esposa con un hombre mayor, se da cuenta de que no tiene más remedio que huir. Encuentra trabajo como sirvienta con unos parientes lejanos en la embajada somalí de Londres, Años más tarde, al estallar la guerra civil en Somalia y cerrarse la embajada Waris, ya mujer, se encuentra ante la amenaza de ser deportada y de nuevo decide huir.” La directora de esta película Sherry Hormann sabe lo que tiene entre manos construye un película donde los componentes fílmicos, los significantes que incluyen la banda imagen, banda sonora, los signos y los códigos se manejan con una brillantez espectacular. Presentar uno de las acciones de  la humanidad que causa más indignación en la actualidad como lo es la ablación genital femenina, usando de manera tan eficiente el lenguaje del cine para denunciar y sensibilizar al mundo sobre este maldito hecho de carácter antropológico y cultural que daña la vida física y espiritual de un número inmenso de mujeres es un logro de esta directora germano-americana. Donde muchos se pierden en el manejo de la continuidad dinámica del relato esta mujer demuestra un dominio del montaje narrativo, la ruptura de la temporalidad lineal del relato provoca que el espectador se cautive con la historia, reflexione, tenga sus momentos psicológicos de descanso y finalmente salga de la sala habiendo visto una de las más conmovedoras historias que se haya exhibido en el cine en los últimos tiempos, no temo al hacer esta afirmación.

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE

Cine de China, pongamos atención a la sinopsis de esta película y después hagamos algunas precisiones sobre la misma: “año 1937. Las tropas japonesas han entrado en la capital provisional de China, cuya cruel ocupación será conocida como “La Violación de Nanjing”. Rodada con gran angular en blanco y negro, la película alterna el punto de vista de los japoneses y los chinos.” Para que entremos en materia,  como me gusta decir frecuentemente, esto de gran angular que se expresa en la sinopsis trae como consecuencia la aparición de la denominada visión panorámica del espectador donde este puede ver un espacio físico  enorme donde se suscitan las acciones contenidas en el relato. También  me llamó la atención el uso habitual de la llamada profundidad de campo, donde el director presenta dos eventos simultáneamente en el mismo encuadre, ese recurso está bien logrado como elemento significante. La cámara se mueve, se mueve mucho como queriendo decirle al espectador que él está siendo testigo de un acontecimiento grave  de la historia de China, este intenso desplazamiento de la cámara crea una atmosfera documental que es muy bien manejada por el director LU CHUAN. La puesta en escena de este funesto acontecimiento de la historia de las relaciones Chino-Japonesas no tiene desperdicios se siente el olor a muerte y la imagen de una ciudad devastada quedará para siempre en las mentes de quienes tuvieron el privilegio de ver esta magnífica muestra de la calidad del cine que se hace en China actualmente.

AIR DOLL

La soledad, la carencia de una pareja, es un tema universal recurrente en la literatura y el cine. En esta ocasión tenemos una película interesante; que involucra uno de estos ciudadanos de Tokio que se siente afectado por la falta de compañía, por la falta de afecto. Hagamos un chequeo a la sinopsis para puntualizar algunos elementos de la película posteriormente: “una muñeca hinchable de tamaño natural vive en un modesto piso de Tokio. No habla ni se mueve. Pero es la única compañera de su amo, un hombre de mediana edad. Él le habla, la baña y le hace el amor cada día cuando vuelve del trabajo del trabajo. La rutina diaria se rompe cuando la fantasía se hace realidad. De pronto, la Muñeca hinchable cobra vida y tiene alma.”

Esta película del Director japonés Hirokazu Koreeda es interesante porque explora desde una perspectiva fantástica los vericuetos de la soledad y el amor. Con una narración temporal sin complicaciones y una estética convencional, el director trata de hacernos ver el poder que tiene la pasión, el amor para redimirnos, dar vida a las cosas que son o parecen inermes. Hay que tomar este filme como una especie de metáfora visual sobre estos valores que hemos comentado anteriormente, verla con la manía que tienen algunos espectadores de cotejar la realidad con la ficción cinematográfica es un grave error que puede privarlo a usted de descifrar la propuesta de sentido o lo que la gente llama popularmente “mensaje” de la película.

EL ESCRITOR OCULTO

Esta película, la última que se ha estrenado del maestro Roman Polanski, se exhibe en La Muestra Internacional de Cine en la Sección Informativa. El año pasado Polanski asistió a Suiza a un evento cinematográfico y a los Norteamericanos se le ocurrió invocar el tratado de extradición que tienen con esa nación europea debido a las cuentas pendientes que tiene con la justicia de Estados Unidos por haber sostenido hace mas de 30 años relaciones con una joven menor de edad, este director fue encarcelado, numerosas presiones de personalidades del cine a nivel mundial y la oposición  de Francia, porque Polanski es nacionalizado francés aunque su patria de nacimiento es Polonia, impidieron que se materializara la infausta extradición. Pues bien les cuento que todo este incidente ocurrió en la fase final del rodaje de esta película pero aun así el brillante director que es Roman Polanski se impuso dando desde su encierro las instrucciones para terminar el rodaje exitosamente. ¿Cuál es el resultado? Una película formidable, basada en la novela del escritor Robert Harris “The Ghost”  con un guion que no tiene desperdicios: inteligente, sofisticado, minucioso en la caracterización de los personajes. Ver a Ewan McGregor sin el traje de caballero Jedi y a Pierce Brosnan sin las aventuras de James Bond ha sido una experiencia gratificante. Un thriller político que agradecemos por la depurada construcción del relato cinematográfico que Polanski realiza. Después de los malos momentos con su detención el maestro de origen polaco cosecha los frutos de su preeminencia como director y esta película ganó el Oso de plata en el festival de Berlín 2010, Premio a la Mejor película, mejor dirección, mejor Guión, mejor Actor Ewan Mcgregor y mejor dirección artística en los premios de Cine Europeo, Premio Fipresci a la mejor película 2010.

EL PREMIO FLACO

Esta película del realizador cubano Juan Carlos Cremata, se presentó en la muestra con la presencia introductoria de este director y de la co-directora quien es precisamente su madre. Basada en la obra teatral homónima, de Héctor Quintero, veamos la sinopsis: “Iluminada vive en una barriada muy humilde y su situación económica es precaria. Su suerte cambia de repente cuando encuentra una balita premiada dentro de un jabón marca Rina, que le otorga una casa nueva.” Inscrita en el género de la comedia, en la película a mi juicio hay un problema de entrada: Cremata no logra efectuar de manera eficaz la traslación de la historia teatral al lenguaje del cine, en consecuencia tenemos la sensación de que estamos viendo una obra teatral  filmada. Los personajes se la pasan hablando……bla, bla, bla….. Hay un principio que no se aplica cabalmente en la construcción de esta película; lo que impulsa el relato cinematográfico es la acción de los personajes, eso es lo que parece estar ausente: la acción, entonces vemos unos personajes dentro del relato que confieso,  causan tedio por momentos. 

LA EXTRAÑA

Cuando pensamos que habíamos agotado la capacidad de conmovernos, de llegar a un punto sin retorno donde el goce estético por una estupenda película se hace inexplicable, se exhibe en la Sección Opera Prima de la Muestra este filme. Presentamos a continuación su sinopsis: “Umay nacida en Alemania huye de su opresivo marido en Estambul, llevando a su pequeño hijo Cem. Espera encontrar una vida mejor con su familia en Berlín, pero su llegada inesperada da pie a un intenso conflicto. Sus padres son muy convencionales, y se debaten entre el cariño que sienten por su hija y los valores tradicionales de la comunidad turca en el exilio. Acaban decidiendo que Cem debe regresar a Turquía con su padre. Umay, que no quiere perder a su hijo, vuelve a irse y encuentra la fuerza necesaria para empezar una nueva vida para ella y para Cem. Sin embargo, la necesidad que siente de su familia la llevará a realizar varios intentos fallidos de reconciliación. Umay no se da cuenta de la profundidad de las heridas y de lo peligrosa que es su lucha por la independencia.”  Ver una película alemana dirigida por una mujer directora de origen austríaco, Feo Aladag, manejando un relato tan intenso cuyos personajes son fundamentalmente interpretados por actores de ascendencia turca es un verdadero acontecimiento. Esta mujer dirigiendo promete mucho, muchísimo sabe manejar con sabiduría la continuidad dramática, este guion tan bien concebido nos transmite con pasmosa claridad el valor de las tradiciones en la sociedad turca y la fuerza incontenible del islam en la conformación de esos valores. Explora con singular precisión las características de cada uno de los personajes, logrando con equilibrio que nos adentremos a los conflictos interiores de cada uno de estos. Ser espectador de cómo una familia subordina el amor, y la unidad familiar a las tradiciones de la comunidad, influenciada por valores religiosos también es algo tremendo, esto se logra de manera brillante en este filme. Para terminar la directora no se conforma con ofrecernos una historia excepcional en todos los componentes fílmicos sino que la secuencia final de la película será definitivamente antológica, necesitamos que vean esta película en familia para curarnos de esa desgracia, para no llegar hasta donde llegaron los familiares de Umay, eso no se debe contar hay que verlo, para sentir una conmoción que no olvidarán jamás.

HASTA LUEGO

Febrero, 2011